유럽 도자기 여행

북유럽 편

조용준

퍼시픽도도/2021.6.15.

sanbaram

도자기는 오래전부터 고급 그릇으로 인식되어 왔을 뿐만 아니라 지금도 우리 생활용품으로 애용되고 있다. 도자기는 중국에서 시작하여 중세 이후 교역의 발달로 인해 서양으로 전파되었으며, 왕실과 귀족들의 전폭적인 사랑을 받게 되면서 현지 생산을 시도하게 되고 생활에 필요한 것을 만들게 되었다. <유럽 도자기 여행 북유럽 편>에서는 북유럽의 도자사를 중심으로 그들의 문화와 어울리는 도자기가 생산되고 유통되는 과정들을 설명하고 있다. 저자 조용준은 <시사저널>과 <동아일보>에서 기자를 했고, <에이전트 오렌지>로 국민문예상을 받았으며 장편소설 <활은 날아가지 않는다>를 출간했다. <유럽 도자기 여행>시리즈 3권과 <일본 도자기 여행>시리즈 3권, <이천 도자기 이야기>를 출간했다.

<유럽 도자기 여행 북유럽 편>에서는 네덜란드에서 시작하여 덴마크, 스웨덴, 핀란드, 러시아로 이어지는 북유럽 5개국 도자기 여행을 한다. 이중 러시아를 제외한 나머지 4개 나라는 모두 디자인 강국들이다. 스칸디나비아 디자인은 최근 국내 소비자들에게도 이름을 알리면서 점차 그 저변을 확대한 지 오래됐다. 이번 <유럽 도자기 여행 북유럽 편 개정증보판>에서는 개개의 브랜드에 대한 자세한 내용은 물론, 극동 아시아 주부들의 마음을 사로잡고 있는 북유럽도자들이 어떠한 역사적 맥락에서 서로 연관 관계를 맺고 있는지 알려주기 위해 특히 많은 노력을 기울였다고 한다. 북유럽 도자기들은 장식미보다 실용성이 훨씬 강조되기 때문에 디자인이 매우 단순하다. 그러나 그 단순하면서도 대범한 디자인이 오히려 오늘날 우리나라 여성들을 매혹시키는 요인이 되고 있다고 말한다.

“네덜란드는 중국 청화백자 도자기들을 수입해 유럽에 본격적으로 수출하기 시작한 장본인으로, 북유럽 국가들이 도자기에 눈을 뜨게 하는데도 한몫을 단단히 했다.(p.17)” 명나라와 청나라 교체기에 전쟁으로 인해 도자기 수출이 끊기자, 네덜란드 상인들은 일본으로 눈을 돌려 아리타 자기들을 대량으로 유럽에 수출하는 한편 자신들도 동양 자기들을 흉내 내어 안목이 높아진 수요자들을 위한 도자기들을 제각하기 시작했다. 그 중심에 바로 델프트가 있다. 17세기 유럽은 왕실부터 평민에 이르기까지 백자 바탕에 청색이나 다채색 그림이 우아하게 그려져 있는 그릇에, 차와 설탕과 향신료에 그랬던 것처럼 서서히 중독되기 시작했다. 매일같이 칙칙한 그릇만 보다가 하얀 눈처럼 우아하기 그지없는 순백색 그릇을 보자 매료되었다. 그런데 청화백자의 청색을 내는 청금석의 값이 너무 비싸 하얀 자기를 ‘백금’이라고 불릴 정도 였다. 현재도 청금석은 순금보다 높은 가격으로 거래되고 있고, 여전히 아프가니스탄 주요 수출품의 하나로서 고급 청금석 가격은 1Kg에 약2천만 원을 호가한다.

“먹고살만해지자 청화백자를 꼭 빼닮은 ‘신비의 블루 도자기’에 온통 마음을 빼앗기게 되었고, 너도나도 사들여 식탁과 집 안 치장에 나섰다. 여기에 한술 더 떠서 튤립이 유행의 선두에 서자 ‘귀하신 튤립을 모실 수 있는 파란 꽃받침’에 대한 수요가 높아진 것이라 할 수 있다.(p.68)” 여하튼 이렇게 텔프트 블루와 튤립은 서로 떼어놓을 수 없는 인연으로 맺어졌다. 네덜란드가 점점 부강해지면서 델프트 블루 타일에 대한 수요도 증가했다. 초기에는 굴뚝이나 난로 주변, 난간과 계단, 부엌, 창이나 출입구의 상인방 등에 타일이 붙기 시작했다. 타일에 그리는 그림도 점차 일상생활을 묘사하는 것으로 바뀌었다. 일하는 남녀, 놀이하는 아이들, 배나 말을 타는 남자, <성경>속의 다양한 풍경 등이 빈번하게 등장했다. 나중에는 렘브란트 등 유명 화가의 작품을 모델로 하여 그대로 모사한 작품들도 상당수 나오게 되었다.

“텔프트 타일은 약 2백 년에 걸쳐 이루 헤아릴 수 없는 양이 생산되었고, 유럽 전역에서 귀족이나 부호들이 자신들의 집을 치장하는 데 사용했으므로 이러한 성공에 힘입어 영국, 독일, 북부 프랑스, 벨기에 등에서는 이를 흉내 낸 소위 ‘짝퉁 델프트 타일’을 또 만들어 냈다.(p.86)” 19세기 후반이 되면서 네덜란드 타일 제조업은 기울기 시작했다. 영국과 독일의 공장에서 타일을 대량생산하는 방식을 델프트의 가내수공업적 방식이 당할 수 없기 때문이었다. 게다가 타일보다 훨씬 싼 벽지가 등장해 빠르게 시장을 잠식해나갔다. 전성기 델프트에는 32개, 인근 로테르담에는 10개의 가마가 있었다. 이 중 오늘날에도 남아 있는 공장은 1653년에 세워진 ‘로열 도자기 항아리’회사 하나뿐이다.

“지금 유럽에서 ‘로열 마큄’의 지명도와 인기는 매우 높다. 왜 그럴까? 그것은 바로 이들이 자신들의 한계를 극복하고자 많은 예술가와의 협업을 통해 고품격, 고난이도의 프로젝트를 성공적으로 진행하고 있기 때문이다.(p.150)” 마큄은 유명 디자이너들과 함께 도기를 응용한 협업을 지속적으로 진행해왔다. 로열 코펜하겐이 왜 블루를 강조하는지 그 이유는 로열 코펜하겐 대표 상품의 일관된 특징이자 가장 기본이면서 가장 강조하는 색상이 블루이기 때문이다. 오늘날 코펜하겐의 명성은 유럽 4대 명문 브랜드의 하나로 당당하게 자리 잡았다. 로열 코펜하겐보다도 한참 늦은 헝가리 헤렌드의 성취와 함께 실로 놀라운 일이라고 한다.

“로열 코펜하겐의 플로라 다니카 세트는 크리스티안 7세가 1790년 러시아의 여제 예카테리나 2세에게 보내는 선물용으로 처음 제작되었다. 국가 위신을 세우기 위해 덴마크에서 자생하는 2,600여 종 식물을 그려 넣어 도자기로 굽는 방대한 프로젝트다.(p.210)” 1868년은 덴마크 도자사에서 매우 중요한 해다. 왕립 덴마크 도자기 공장이 드디어 민영화되어 예전부터 만들던 제품들을 제조해 팔기 시작했고 이윤을 내기 시작했기 때문이다. 이에 따라 왕실이 아닌 일반 국민들도 도자기를 구입할 수 있게 된 것은 물론이다. 첫 여성 화공도 채용되었고, 블루 페인팅은 점차 여성들의 일이 되어갔다. 가장 유명한 주제의 하나는 1945년 로열 코펜하겐의 천사 접시다. 이 접시에 등장한 천사의 기도는 2차 세계대전의 종료와 덴마크의 해방에 대한 감사를 의미한다. 이후 덴마크의 유명한 훈련 전함인 단마르크, 인어공주 동상, 코펜하겐 중앙역 앞 티볼리 공원의 펜도마임 극장, 안데르센 생가 등 덴마크의 유명한 랜드마크들도 접시에 등장했다 안데르센 생가는 그의 탄생 200주년을 기념해 2005년 접시 주제로 선정됐다.

“전시실에 쓰여 있는 설명을 보면 ‘플로라 다니카’가 완벽한 만찬용 세트였음에도 불구하고, 덴마크 왕실은 이 그릇들을 평상시에는 오직 디저트에만 사용했다고 한다. 정작 음식들은 은으로 만든 그릇에 담았다는 것이다.(p.261)” 도자기 그릇들을 직접 쓰기에는 너무 아까워서 디저트 용도로만 사용한 곳은 사실 덴마크 왕실만이 아니다. 유럽의 다른 왕실과 귀족들도 그랬다. 그들에게 도자기는 식사를 위한 그릇이라기보다는, 어디까지나 권력의 과시를 위한 트로피 역할이 더 컸던 것이다. “로열 코펜하겐 역시 ‘플로라 다니카’세트를 처음 제작할 때 식물이 그릇 안에 진짜 들어가 있는 것처럼 보여주기 위해 실제 크기를 그릇에 담으려 애썼다.(p.263)” 왕립 식물학과의 도감을 최대한 충실히 반영하려 노력했다는 얘기다. 그러나 항상 식물의 뿌리가 문제였다. 뿌리가 너무 길면 그릇의 법위를 넘어섰기 때문이다. 그럼에도 불구하고 현재 이 그릇들의 식물 그림은 놀라울 정도로 실제 크기에 가깝다.

“동양권, 특히 한국과 일본에서 북유럽 디자인에 열광하는 이유는 여러 가지가 있겠지만 일단 이들 제품이 북유럽 자연의 순수한 느낌에다 견고함과 실용성을 갖추고 있기 때문인 듯하다.(p.276)” 깨끗한 자연을 연상시키는 북유럽의 단순한 패턴은 유행을 쫓지 않아서 질리지 않고 친근하며 오래 곁에 두기 좋은데, 이런 면이 유행을 불러일으킨 것 같다. 구스타브베리는 1971년부터 매해 크리스마스 플레이트를 만들어왔다. 이것 역시 로열 코펜하겐과 마찬가지로 한 번 만든 판형을 없애 재생산이 불가능하도록 한 한정판이다. 로열 코펜하겐은 나중에 특별한 해의 판형을 복원해서 ‘복원 한정판’을 만들기도 했지만, 구스타브베리는 그렇게 하지 않아서 수집가들 사이에 경쟁이 뜨겁다. 이 중에서도 가장 인기 있는 것은 역시 스티그린드베리가 스웨덴 풍속을 모티브로 해서 디자인한 크리스마스 플레이트인데, 더구나 1981년부터 1985년까지 다섯 해만 그의 디자인이기 때문에 소장 가치가 훨씬 높다.

“독일이나 덴마크 사람이 아닌 스웨덴 사람이 뢰르스트란드의 감독으로 처음 부임한 것은 공장 설립 후 15년이 지난 1741년의 일이었다. 이때는 스웨덴에서 도자기 공장이 오로지 뢰르스트란드 하나밖에 없었으므로 그릇에 찍히는 상표에도 ‘스톡홀름’으로만 표기했다.(p.378)” 1884년이 되면서 뢰르스트란드는 왕관이 들어간 현재의 로고를 사용하기 시작한다. 이때의 로고는 이탤릭체로 된 뢰르스트란드 글자를 세 개의 왕관이 둘러싸고 있는 것이었다. 세 개의 왕관은 원래 마리에베리와 다른 공장이 사용하고 있던 상표를 1782년에 뢰르스트란드가 사들인 것이다.

“핀란드에 처음으로 도자산업이라고 할 만한 시설이 들어선 것은 이미 설명한 대로 스웨덴의 뢰르스트란드가 좀 더 편리하게 러시아 시장에 진출하기 위해 핀란드에 부설 공장을 짓기로 결정했기 때문이다.(p.429)” 1881년 본사로부터 구스타브 헤를러츠 기술감독이 파견되고 1882년에는 헬싱키를 지칭하는 핀란드 말인 ‘헬싱호르스’ 디너웨이가 등장했다. 이는 핀란드 지명을 이름으로 붙인 첫 장식 접시였다. 지금도 여전히 가장 사랑받고 있는 파라티시 시리즈는 흔히 “세라믹의 황태자”로 불리는 비에르 카이피아이넨이 디자인한 것으로 1969년에 출시 되었다. 그는 주로 아트웨어 작업에 몰두했기 때문에 파라티시는 상업적 용도로 디자인한 그의 최초이자 마지막 테이블웨어였다. 그럼에도 그것 하나로 비에르는 핀란드의 문화 아이콘이 되기에 충분했다. 최초로 인쇄된 무민은 1938년 <가름>이라는 잡지에 그린 것으로 히틀러에 반대하는 내용의 카툰이다. 그녀는 자신을 화난 무민으로 표현했다. 이후 무민은 대중적 인기를 얻기 시작하면서 여러 텔레비전 프로그램 및 영화의 소재로 쓰였다. 일본 후지 TV는 1972년에 무민을 애니메이션으로 제작해 큰 인기를 얻었고, 지금까지 무민 캐릭터의 인기가 지속되고 있다. 1993년에는 핀란드 난탈리에 ‘무민월드’가 생겨났다.

“‘피스카스 파밀리온’은 ‘피스카스 캠퍼스’의 로비 같은 곳이다. 입구에서부터 피스카스 주력 상품으로 일종의 설치미술 작품을 제작, 전시하여 이 회사가 지향하는 바가 무엇인지 확실하게 보여주는 것이다.(p.474)” ‘피스카스 파빌리온’의 설치미술 작품을 구성하는 것은 이 회사의 주력 상품인 야전삽, 도끼, 가위, 제도용 컴퍼스, 숟가락, 유리구슬, 이딸라 유리공예 제품, 아라비아 플레이트 등이다. 이딸라와 아라비아 제품이야 그렇다 쳐도 도끼와 삽으로 이렇게 뛰어난 구성미를 가진 예술 작품을 만들어낼 수 있다니, 눈으로 직접 보면서도 믿기 힘들었다. 생활용품도 얼마든지 훌륭한 디자인이 가능하다는 사실을 새삼 깨닫게 만들어준다. 북유럽의 디자인 브랜드 상당수가 그렇지만 마리에꼬도 핀란드의 아름다운 자연환경에서 많은 영향을 받았다. 핀란드의 자연주의적 감성에 따라 꽃, 나뭇잎, 동물, 숲과 호수 등이 패턴의 주요 소재로 다양하게 차용되었는데, 여기 또 한 명의 다른 마이야인 아이노 마이야 메촐라는 핀란드의 백야를 패턴에 옮겼다. 마리에꼬는 상품을 파는 것이 아니라 삶의 방식을 파는 것이 목적이라고 한다. 마리메꼬 디자인들을 보면 이 말이 과장된 구호만은 아니라는 사실을 깨달을 수 있다.

예카테리나 2세의 황금기는 러시아 도자사에서도 번영기였다. 1765년에 공장은 ‘황실도자기 제작소’로 이름을 정하고, 가마도 새로 만들었으며, 베를린과 프랑스 세브르로부터 솜씨 있는 사기장들을 초청했다. IPM에서 만든 제품들이 여기저기 환제와 귀족들의 궁전에 놓이기 시작했다. 황실로부터 수요는 매우 넓은데다 거의 영구적이었으므로, 황실도자기는 마음 높고 도자기 제작에만 매달릴 수 있었다. “로모노프 시절의 도자기 가운데 가장 유명한 것 그리고 지금까지도 이 회사를 대표하고 있는 문양은 바로 1949년에 나온 ‘코발트 그물’이다. 이 디자인은 예카테리나 2세 시절에 오직 그녀만의 만찬을 위해 창조되었던 ‘핑크 그물’패턴에서 착안한 것이다.(p.615)” “예카테리나 여름 궁전의 특징은 호박의 방에 있지 않고, 거의 모든 방마다 공통적으로 설치돼 있는 거대한 벽난로에 있다.(p.589)” 바로 저 델프트 타일로 한껏 멋을 부린 벽난로들 말이다. 이 벽난로들은 연기를 배출하는 통이 겉으로 드러나 있지 않다. 그러니까 벽과 천장에 붙어 있는 배연 기관들이 서로 연결돼 있어서 궁전 전체의 난방을 책임지는 종합 난방기 역할을 했다. 또한 벽난로 뒷면에 따로 만든 방에서 불을 때도록 만들어서 방을 이용하는 황실 가족이나 귀족들의 사생활을 방해하지 않도록 세심한 신경을 쓴 것도 특징이다.

“북유럽도자기의 가장 두드러진 특성은 문양 디자인에 있다.(p.635)” 단순하고 단조롭지만 묘하게 마음을 끄는 문양들이 도처에서 나타난다. 나뭇잎 하나만 보더라도, 이를 주요 모티브로 삼은 도자기들이 수없는 디자이너들에게 수많은 변종으로 나타난다. 별로 변화가 없을 것 같고, 변화를 주기도 어려울 것 같은 나뭇잎 하나가 다양한 형태의 도자기 문양으로 나타내는 모습을 보면 ‘왜 디자인이 있어야 하는지’에 대한 해답을 얻게 된다. 이와 같이 북유럽 도자기의 변천과정을 설명하는 이 책을 통해 세계화를 지향하는 우리들의 산업에도 활기를 불어 넣는데 도움이 되기를 기대해 본다.

(예스24 리뷰어클럽 서평단 자격으로 작성한 리뷰입니다.)