들어가는 글에서 " 미술사는 글로벌 리더의 '공통언어'다. "라고 말했다. 미술사는 현대인의 필수 교양이자 서양사회에서는 중요한 공통 인식, 의사 소통의 도구로 기능하고 있고, 저자가 만난 수많은 글로벌 리더는 미술사를 교양으로 익히고 있었다는데, 저자가 생각하는 이유는 이러했다.

서양에서 생각하는 '미술'이란 정치나 종교와 달리 가장 무난한 이야깃거리이자 한 나라의 종교적, 정치적, 사상적, 경제적 배경이 고스란히 드러나는 인문 교양이기 때문이다. 사람들은 흔히 미술작품을 감상할 때 '감성'이란 단어를 먼저 떠올리지만, 미술을 이해하는 것은 한 나라의 역사와 문화, 가치관을 배우고 익히는 것과 일맥상통하는 일이다. -p 11

이 책의 저자는 일본인으로 일본의 미술교육이 제대로 이루어지지 않음에 대해 안타까움을 드러내고 있었다. 그런 우리나라도 별반 다르지 않을 것같다. 현대는 글로벌 사회이기 때문에 '나는 동양인이니까 서양미술은 몰라도 된다'고 말할 수 있는 상황은 아니라고 말했다. 그 문화권에서 살아온 사람들이 아니고서는 가장 무난한 이야깃거리가 될 수는 없는 것이 현실이다. 하지만, 그런 어려움에도 불구하고 인류의 역사라는 관점으로 관심이 갈 수 밖에 없고, 지식을 넓히고 싶은 것이 내 솔직한 심정이다. 비지니스 엘리트로서 미술사에 대해 지적인 대화를 나눌 수 있는 수준까지는 힘들더라도 말이다.

저자는 '더 많은 이들이 미술사와 친해지기를 바라는 마음에서 약 2500년 동안의 서양미술사 중 반드시 알아야 할 지식을 한 권에 담았다. 미술 작품의 단순 설명이 아닌 작품의 배경이 되는 역사와 시대적 사건, 문화, 가치관 등 '교양'으로서의 미술사를 배우고 익힐 수 있도록 성심성의껏 소개하려고 한다 '고 집필동기를 밝히고 있었다. 저자는 어떤 매력적인 이야기들로 미술사에 한 걸음 더 가깝게 해줄 지 설레는 마음으로 따라가 보았다. 총 4부로 이루어져있었다.

제 1부 '신'중심의 세계관은 어떻게 탄생했을까?

그리스미술, 로마 미술, 종교미술과 로마네스크 미술, 고딕미술을 다루고 있었는데, 자주 만나지 못한 부분이어서 집중해서 읽었다.

고대 그리스에서는 '아름다운 남자의 나체는 신도 기뻐하신다'는 발상에서 아름다운 몸, 주로 남성미를 추구하는 그리스 조각이 발전했다. 기원전 600년 전부터 기원전 480년까지 이어진 흔히 고졸기라고도 부르는 시기에 '아르카익' 양식이 탄생했다. 이 시대 조각상의 특징은 직립자세를 취할 수 있는 것으로 이집트 미술과 달리 지지대가 없는 독립상이다. 인체 조각상은 신전에 바치기 위해 제작된 소년 도는 청년을 의미하는 쿠로스와 소녀를 의미하는 코레로 나눌 수 있다. 기원전 480년부터 기원전 323년에 걸쳐 나타나는 고전시대는 균형잡힌 비대칭 구도를 살려 생명력이 넘치는 몸을 표현했고, 고전시대는 서양미술의 규범, 본보기가 되는 서양미술의 원천이라고 말할 수 있다. 고전시대 조각상의 표정이 무덤덤해 보이는 것은 '감정을 겉으로 드러내는 일은 삼가야한다'는 그리스인의 가치관이 작품에 반영되었기 때문이었다. 마케도니아의 알렉산더 대왕의 동방원정의 결과로 그리스문화가 세계에 전파되었고, 오리엔트 문화와 그리스 문화가 융합된 헬레니즘 문화 (기원전 323~ 기원전 30년)의 탄생으로 미술양식은 변모했다. 그리스 본래의 이상주의보다는 개성을 강조한 사실주의로 바뀌면서 조각상도 신에게 바치는 봉납상이 아닌 감상의 대상이자 예술품으로 인정받기 시작했다. 기원전 146년부터 그리스를 지배한 로마제국은 건축,예술등 다방면에서 그리스 문명을 계승했고, 로마 신전 건축에 그리스 양식을 곁들이고, 그리스 문화를 동경하여 그리스 미술을 상품화시켰고, 대리석으로 수많은 복제품을 제작했다. 그리스 미술은 로마로 계승되어 서양미술의 밑바탕을 이루고 있다.

로마 제국으로 발전하기 전 융성했던 에트루리아 문화를 기원전 509년 무렵 공화정을 수립하면서 흡수했는데, 청동제 금속공예와 테라코타 기술등을 받아들였고, 에트루리아 미술은 그리스 미술과 함께 로마 미술의 원천이 되었다. 로마미술의 특징으로는 사실성이 강한 '초상조각'과 '대규모 공공 건축'을 들 수 있다. 콜로세움, 공공 욕탕인 테르마이, 콘스탄티누스 개선문, 판테온 등을 통해 로마 건축을 만나볼 수 있었다. 그리스 건축의 영향을 받은 도리스,이오니아, 코린트 양식과 로마시대에 형성된 토스카나 양식, 콤퍼짓 양식이 고전적인 서양건축의 필수 요소로 서양의 절대적인 미적양식으로 계승되었다. 콘스탄티누스 1세에 의해 313년에 밀라노 칙령으로 그리스도교는 공인되었고, 392년에 그리스도교는 로마 제국의 국교로 제정되었다. 이렇게 초기 그리스도교 미술의 시대가 열리게 되었다.

읽고 쓰지 못하는 문맹들에게 그리스도교의 가르침을 알리기 위해 성경을 그림으로 구현하는 일이 필요했고, '눈으로 보는 성경'의 역할에 충실한 종교미술이 중요한 위치를 차지하게 되었다. 수도원이나 교회를 상징적으로 드러내기 위해 고안된 양식이 '로마네스크 미술'이었다. 대략 11세기 후반부터 13세기 전후까지 나타낸 건축,미술을 지칭했다. 로마네스크 조각의 특징은 글을 읽지 못하는 사람들을 위해 사실적인 표현보다 이해하기 쉬운 표현, 생생한 약동감과 상상력으로 가득 찬 환상적인 묘사가 두드러졌다. 11세기 이후에는 순례지 여행이 성행했고, 성유물 숭배가 강해지면서 성물이 보관된 성당의 건축이 활발해졌고, 그로인해 도시가 발전하고 종교미술도 세련되어졌다. 로마테스크 양식과는 다른 '고딕 미술'이 탄생하는 계기가 되었다.

10세기 이후 프랑스 수호성인인 '생 드니'를 기린 생드니 성당은 프랑스에서 특별한 지위를 차지하는 교회이자 고딕 양식의 출발점으로 꼽혔다. 국왕의 추종자들이 지배하는 지역의 건축양식을 고딕양식으로 통합하고 왕이 직접 다스리지 않는 지역에도 전파함으로써 왕권강화라는 정치적인 메시지를 담은 건축양식이었다. 고딕양식의 건축 형태 때문에 스테인드글라스가 발달할 수 있었는데, 이는 빛을 효과적으로 더 아름답게 그려냈다. 빛은 그리스도교를 믿는 사람들에게 '신'을 상징하며, 고딕 건축에서는 시각적으로 신의 존재를 확인할 수 있었다. 고딕 대성당 건설 경쟁은 14세기에 시들해지면서 회화분야에서는 14세기말부터 15세기 초에 유럽 북부 지역의 전통과 이탈리아의 전통이 융합된 '국제 고딕 양식'이 퍼져나간다. 국제 고딕 양식의 대표적인 필사본으로, 랭부르 형제의 '베리 공의 매우 호화로운 시도서' 가 있엇다. 프랑스에서 고딕 미술이 발전되었지만 15세기에는 도시 경제가 발전한 부르고뉴 공국과 이탈리아에서 르네상스가 막을 올리기 시작했다.

제 2부 회화에 나타난 유럽 도시의 경제발전

르네상스, 북유럽 르네상스, 베네치아 미술, 바로크,네덜란드 미술

도시 경제가 발전한 이탈리아에서는 라틴어 및 그 원천이 되는 그리스의 학문과 문학에 관심을 가지게 되었고, 그리스도교뿐 아니라 신화가 작품의 주제로 등장했다. '인간'의 지위 향상과 인간존중, 인간 중심의 시선이 드러나게 되었다. 다방면으로 재능을 갖춘 이들은 예술가로 대접받을 수 있었다. 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로가 대표적이다. 1517년 종교 개혁, 1527년 '로마 대약탈'사건의 영향으로 르네상스는 막을 내리고,16세기 중반 이탈리아에서는 화가나 조각가가 자기만의 특정한 방식을 추구한 '매너리즘 미술'이 발전했다.

북유럽 르네상스 미술은 부르고뉴 공국 지배하의 네덜란드에서 탄생한 회화예술인 '네덜란드 (또는 플랑드르 ) 회화'를 지칭한다. 특징은 '현실'을 중시한 시민의 인식이 반영되었다는 것, 현실성은 사실성이 높은 실내 묘사로 이어져 상징주의를 발전시켰다는 것이다.

베네치아는 무역을 통해 번영을 도모하고 십자군 전쟁 이후 중개 무역의 최고 중심지가 되었지만 동로마 제국의 멸망과 대항해시대로 인해 국력과 경제는 쇠퇴했지만 16세기 베네치아 미술은 황금시대를 맞이했다. 거듭되는 경기 침체로 암흑시대를 맞이했지만, 18세기 영국의 '그랜드 투어'로 인해 두 번째 황금시대를 맞이했다. 베네치아 경치에 다양한 드라마를 곁들인 '베두타'라는 풍경 그림이 관광객들에게 인기가 있어 발전하게 되었다.

1517년 카톨릭을 비판하는 종교개혁이 일어났다. 프로테스탄트는 종교미술을 부정했지만 카톨릭에서는 종교미술은 우상 숭배 계명에 위배되지 않는다는 결론을 내리고 미술의 힘에 더욱 더 기대려고 했다. 이렇게 탄생한 것이 바로크 미술이었다. 목적은 신의 영광과 교회의 승리를 시각적으로 널리 알리고 전파하는데 있었다. 혁신적이면서 도발적인 카라바조가 있었고, 고전적인 이상주의를 바탕으로 우아하면서도 색채감이 풍부한 종교화를 그렸던 볼로냐파가 있었다. 바로크 예술을 완성한 예술가는 잔 로렌초 베르니니였다. 플랑드르 바로크 양식을 확립한 이는 루벤스였다.

스페인령이었던 네덜란드는 1648년 독립을 했고, 국제무역도시로 발전한 암스테르담을 중심으로 경제력을 갖춘 시민계급이 미술을 이끌었다. 풍속화, 풍경화가 인기를 끌었고 정물화에 상징과 은유를 담았다.

제3부 프랑스가 미술 대국으로 올라서다.

프랑스 고전주의, 로코코, 신고전주의와 낭만주의

17세기 루이 14세의 절대왕정으로 프랑스 고전주의 발전했다. 1648년 '왕립회화조각아카데미'를 설립해서 국왕과 국가의 업적을 알리는 수단으로 이용하려했다. 미술가 지휘 향상을 위한 것이기도 했다. 대표적인 화가는 푸생이었는데 그의 회화이론은 감각에 호소하는 색채가 아닌, 지성과 이성에 호소할 수 있는 형태와 질서에 기초한 안정된 구도를 중시했다.

절대왕정에 대한 반동, 궁정사회가 여성 취향으로 바뀌는 변화의 과정에서 이성보다는 자연에 충실한 색야말로 만인에게 매력적인 요소라고 믿는 루벤스파에 의해 로코코 회화가 등장했다. 바토, 프랑수아 부셰,프라고나르가 있었다.그들의 그림은 경쾌하고, 자유분방하고, 아름다웠다.

프랑스 혁명이 일어나고 나폴레옹이 황제로 즉위하면서 황제의 수석화가 다비드가 프랑스 미술을 주도했다. 다비드의 작품은 색채를 배제하고 균형잡힌 구도와 명확한 소묘로 완성해낸 조각과 같은 인물상으로 라파엘로, 니콜라 푸생로 통하는 회화예술이 고전주의를 떠올리게 했는데 이로써 '신고전주의'가 탄생했다.

로마 공화정의 이성과 윤리관을 이상향으로 삼은 혁명주의자들에게도, 자신을 고대 로마의 황제와 동일시하며 제정 정군을 고취하려는 나폴레옹에게도 메시지가 또렷하고 고전적인 아름다움을 규범으로 하는 다비드의 신고전주의야말로 예술 양식으로 안성맞춤이었다. -p 180

동시에 낭만주의가 등장을 했는데, 이들은 동시대의 사건을 역사적인 주제로 삼았다. 신고전주의자였던 다비드,앵그르와 낭만주의자였던 제리코, 들라크루아가 다뤘던 주제, 표현 방식, 그들의 작품들을 비교해보는 재미가 있었다.

제 4부 근대사회는 어떻게 문화를 변화시켰을까?

사실주의, 영국미술, 바르비종파, 인상주의, 현대미술

프랑스 혁명후 프랑스는 변화를 거듭했고, 나폴레옹 3세의 제 2공화정 지지한 공화주의자이자 사회주의자 쿠르베는 사실주의를 표방했다. 쿠르베의 주제의 근대화는 인상주의로 계승 발전되었고,'현대미술=경계를 허문다'는 방정식을 확립하는 계기가 되면서 오늘날 미술계까지 이어지고 이다. 마네는 형식면에서는 회화의 평면성, 내용면에서는 근대도시의 풍속을 기록했다. 쿠르베는 있는 현실을 그대로, 마네는 프랑스의 어두운 면을 사실적으로 그려냈다.

영국미술의 영향은 서양미술사에서는 미미한데 이유는 '영국 국교회'의 성립과 영국 예술가의 부재로 보았다. 18세기에야 영국화가들이 등장했다. 가장 발전한 부분은 초상화였는데, 왕족과 귀족의 나라 궁정사회였기에 수요가 높았다. 특히, 엘리자베스 1세의 신격화를 위해 초상화의 권위를 활용했다. 영국 화가가 등장하기 전 플랑드르 화가 반 다이크, 독일의 한스 홀바인이 주로 활동했다. 영국 미술계 최초의 거장이자 영국 회화의 창시자인 윌리엄 호가스는'컨버세이션 피스'라는 소모임 초상화를 그렸고, 판화가로 유명했다. 대륙의 고전주의 를 본보기로 삼은 조슈아 레이놀즈, 우아하면서도 경쾌한 화풍을 연출해서 로코코 화가로 일컬어지는 토머스 게인즈버러가 영국식 초상화를 완성했다. 프랑스 출신이면서 로마에서 주로 활동한 클로드 로랭은 역사화의 주제를 풍경에 버무림으로써 격조 높은 '이상적 풍경화'로 불리면 풍경화의 고전이 되었는데, 로랭의 이 풍경화들이 영국 정원 양식의 발전에 영향을 미쳤다. 산업혁명으로 인한 도시의 인구 증가와 함께 도시인의 향수를 자극함으로써 풍경화가 발달하게 되었는데,존 컨스터블과 윌리엄 터너가 대표적이었다. 역사화가 지배하는 고전주의 예술이 아닌 시각적 기쁨을 선사하는 심미안을 추구한 라파엘 전파의 예술 운동이 발달하기도 했다.

19세기 도시화 시대에 바르비종에 모여 현실적이면서도 평범한 풍경을 사실적으로 혹은 주관적으로 그렸던 화가들의 모임이 바르비종파였다. 밀레가 대표적인데 그의 그림은 일하는 농부의 모습이 회화의 위엄을 깍아내린다 하여 프랑스 미술계에서는 비난을 받았는데 오히려 미국에서 인기를 얻었다. 바르비종파는 인상파에도 영향을 미쳤다.

인상주의 화가들은 시시각각 달라지는 색채를 그리고, 화가 자신이 받은 인상에 충실하고자 했다. 살롱을 중심으로 하는 주류와는 거리가 먼 그들은 마네를 중심으로 교류가 활발했다. 파리의 미술상 폴 뒤랑 뤼엘이 뉴욕에서 이상주의 전시회를 개최하고 호평을 얻으면서 미국에서 인상주의가 대세로 떠올랐다.

마지막 장은 미국을 중심으로 펼쳐진 현대 미술의 세계라는 제목이었지만, 19세기 말에 경제적인 발전, 20세기 세계 경제대국으로 떠오른 미국에서의 부호들의 미술 컬렉션, 미술관 문화등을 언급했지 실질적으로 우리가 알고 있는 현대미술에 대해서 언급은 없어서 조금 아쉬웠다. 아마, 아직 역사를 써가고 있는 중이어서이지 않을까 조심스레 추측해본다.

이 책은 크게 두 가지 흐름으로 읽어낼 수 있었다. 첫째는 미술에 대한 단편적인 지식들을 담은 책은 많이 읽었지만 미술사 전체를 아우르는 책은 그다지 읽지 못한 내게 약 2500년동안의 미술사에 대해 전체적인 흐름을 파악할 수 있도록 구성된 이 책은 정말 흥미로웠다. 고대 그리스 미술로부터 시작해서 르네상스, 바로크, 로코코, 인상주의에 이르기까지 대장정이 체계적으로 정리가 되었다. 읽기 시작하자마자 그 다음은 어떤 미술사가 펼쳐질까 궁금해서 끝까지 읽어버렸다. 미술사에 영향을 미치는 것이 한 두가지겠느냐마는 종교개혁, 산업 혁명과 같은 굵직한 사건들이 미술사의 지도를 바꾸고 있었다. 정치적으로 이용되는 경우도 많았다. 두 번째는 그 시기에 활동한 주요한 예술가들의 마인드에 대해서 듣고, 그들의 예술 작품들을 통해 작품이 당시의 문화와 역사를 담아 시대를 반영한다는 것이 어떤 의미인지도 바로 확인할 수 있게 구성되어 있었다는 것이다. 언급되고 있는 대표적인 작가들의 작품은 대부분 수록되어 있어서 풍부한 작품들을 볼 수 있는 것도 아주 매력적이었다. 리뷰에는 담지 못했지만 흥미로운 이야기들이 너무 너무 많았다. 저자가 집필동기로 밝혔던 교양으로서의 미술사를 배우기에는 정말 좋았던 책이었다. 방대한 양을 모두 담기에는 부족했기에 관심 있는 분야로 범위를 넓혀나가면 좋을듯하다.

미술이란 분야는 접근하기에 어려운 부분이라 생각을 하는 경우가 많다. 하지만, 대중을 위한 교양서부터 전문서적까지 다양한 책들이 나와 있고, 수많은 매체를 통해서 수준 높은 강연을 들을 수도 있고, 전시회도 다수 열리고 있으니 관심만 있다면 거리는 충분히 좁힐 수 있다고 생각한다. 미술작품을 볼 때 마음에서 우러나는 그대로 감상하는 것이 중요하냐? 아니면 그림의 구조적 특성, 여러가지 배경등 지식을 바탕으로 하는 감상이 중요하냐라는 질문을 나 스스로에게 자주 던지게 된다. 그림이 가진 이야기를 많이 읽어낼 수 있을 때 내가 느끼는 감동도 커지는 경험을 많이 했다. 작품을 보고 감동을 받기위해서도 그림에 대한 배경 지식을 쌓는 노력도 함께 하는 것이 중요할 것이다. 저자는그림은 보는 것이 아니라 읽는 것이라고 말했다. 그만큼 그림은 역사, 문화, 시대를 품고 있다는 말일 것이다. 나는 이렇게 말하고 싶다. 일단 보고, 그림이 가진 이야기들을 읽어내고, 그림이 나에게만 전하는 이야기에 귀를 기울이자라고.

YES 24 서평단 자격으로 작성한 리뷰입니다