'미술'이란 정치나 종교와 달리 가장 무난한 이야깃거리이자 한 나라의 종교적, 정치적, 사상적, 경제적 배경이 고스란히 드러나는 인문 교양이다. 사람들은 흔히 미술작품을 감상할 때 '감성'이라는 단어를 먼저 떠올리지만, 미술을 이해하는 것은 한 나라의 역사와 문화, 가치관을 배우고 익히는 것과 일맥상통하는 일이다.

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미술은 '보는' 것이 아니라 '읽는' 예술이라는 말과 함께 저자는 미술작품 자체에서 느껴지는 감성과 기법에 못지 않게 작품에 담긴 의미를 읽어내는 것이 중요하다고 강조한다. 작품과 연관된 당시의 역사와 문화, 사회적 분위기를 읽어낼 수 있다면 보는 즐거움이 더 커진다는 것이다. [비즈니스 엘리트를 위한 서양 미술사]는 기존의 책들이 예술가 또는 예술작품의 내면에 포함된 의미를 다루던 것과는 달리 아예 당시의 역사가 미술에 어떤 영향을 끼쳤는지를 보다 중점적으로 다루고 있다. 사실 예술가와 그들의 작품을 하나하나 살펴보면서 그 안에 담긴 의미를 찾는 것도 미술을 이해하는 좋은 방법이지만, 문제는 그 대상이 너무나 많아서 자칫하면 숲을 보지 못하고 나무만 보는 우를 범할 수 있기에 역사가 미술에 어떤 영향을 끼쳤는지를 살펴보는 것을 진지하게 고려할 만하다.

흔히 유럽의 미술은 종교와 상당히 밀접한 관련이 있는 것으로 알려져 있다. 실제 성모 마리아나 예수 그리스도, 그리고 성경의 내용들은 서양 미술에서 단골 주제였다. 그러나, 그리스도가 등장하기 이전인 그리스와 로마 시대에는 대부분 인간 또는 신화가 주요 미술의 대상이었다. 또한 성상 숭배를 금지하는 유대교와 마찬가지로 원칙대로 하면 그리스도교도 우상 숭배를 금하였기 때문에 유럽에서종교미술은 성립되기 어려웠다. 그럼에도 불구하고 그리스와 로마 이후에 종교미술이 유럽에 확고하게 자리를 잡은 이유는 무엇일까? 이는 당시 문명 후진국이었던 알프스 북쪽이 유럽 지역에서는 읽고 쓰지 못하는 문맹들에게 그리스도교의 가르침을 알리기 위해 성경을 그림으로 구현하는 일이 필요했기 때문이다. '눈으로 보는 성경'은 곧 종교미술의 확립으로 이어지게 된 것이다. 특히 게르만족에 의하여 로마가 멸망한 이후 여전히 비잔틴 제국으로 그 명맥을 유지하던 동로마와는 달리 서로마 지역은 대부분 게르만족의 여러 부족들이 장악한 상황이기에 교회에서는 더욱 그러한 미술의 필요성이 절실했다.

11세기 이후에 등장한 '로마네스크 양식'과 '고딕 미술'을 떠올려보자. 기존에는 건물 내부의 '반원아치'와 두껍고 견고한 구조로 인하여 거의 창을 낼 수 없는 것으로 '로마네스크 양식'을 정의하였으며, 뽀죡한 첨탑이 두드러진 것으로 '고딕 미술'을 구분하였다. 단지 모양 또는 건축 기법으로 이러한 양식을 이해하기란 솔직히 쉽지 않다. 전문가 또는 그러한 양식의 많은 건축물을 본 사람들이라면 쉽게 구분할 수 있겠지만, 대부분의 사람들은 다순히 기법에 대한 정의만 아는 것이 전부일 수밖에 없다. 하지만 이들 양식을 잉태하게 된 역사적인 사실을 알게 된다면 그러한 양식이 왜 등장하였는지 또 그 차이점과 의의를 어렵지 않게 이해할 수 있다. 먼저 로마네스크 조각은 신앙심을 자극할 수 있게 오싹하면서도 과장된 조각상이 많았다. 이는 당시 글자를 거의 읽지 못했던 대중들에게 도덕적인 교훈을 전하기 위하여 사실적인 표현보다 생생한 약동감과 상상력으로 가득 찬 환상적인 모습을 보여주기 위한 것이었다. 그렇다면 다소 둔탁한 느낌의 '로마네스크 양식'과는 달리 세련된 느낌의 '고딕 양식'은 어떻게 등장하게 된 것일까?

'로마네스크 양식'이 지방 수도원을 중심으로 성립하였다면, '고딕 미술'은 도시의 성립과 밀접한 관련이 있다. 즉, '로마네스크 양식'은 시기적으로 당시 유럽 지역을 거의 통합하였던 프랑크 제국의 붕괴와 함께 혼란한 상황이 야기된 상황에서 지방에 세워진 수도원을 중심으로 등장하였지만, '고딕 미술'은 제국의 붕괴 이후 점점 도시를 중심으로 인구가 집중하는 상황에서 농업 개혁과 상인, 기술자의 대거 등장함에 따라 등장하게 된다. 프랑스의 경우에는 왕권 확대를 실행하기 위하여 국왕의 추종자들이 지배하는 지역의 건축 특징을 하나로 통합하고 그것을 국왕이 직접 다스리지 않은 지역에도 전파함으로써 국왕의 권리와 권력을 널리 알리고자 하는 목적이 있었는데, 이를 위하여 '고딕 양식'이 등장한 것이다. '고딕 양식'의 시작이라 일컬어지는 12세기의 '생 드니 대성당'이 프랑스 국왕에 의하여 추진되었는데, 이 양식은 압도적인 높이와 내부의 거대한 기둥, 첨두아치, 그리고 스테인드글라스로 구성되어 있다. 종교심을 고취하기 위한 목적도 있지만, 국왕의 권위를 내세우기 위함도 엿볼 수 있는 대목이다. '샤르트르 대성당'을 비롯한 '고딕 양식'의 건축물을 보면서 우리는 대부분 그 시대에 그러한 건축물이 만들어졌다는 점을 대단하게 여기지만, 정작 '고딕 양식'은 훗날 르네상스 이전의 미술을 경멸하는 의미로서 '야만인(고트족 : 게르만족 일파)의 양식'이라는 의미를 갖고 있으니 그 시대의 미술 양식을 바라보는 관점과 평가가 시대에 따라 상이함을 알 수 있다.

이후 유럽에는 '르네상스'가 펼쳐진다. 보통 '르네상스'라고 한다면 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로를 비롯한 수많은 에술가의 작품을 떠올리기 마련이지만, 이 책에서는 '로마네스크 양식'과 '고딕 양식'의 등장과 마찬가지로 왜 고대 그리스와 로마의 미(美)가 14세기 유럽에 다시 소환되었는지를 역사적인 관점에서 다루고 있다. 지방 수도원에서 점진적으로 도시로 발전하던 중세 유럽의 상황은 11~12세기 지중해 무역이 활발해짐에 따라 상업이 더욱 번성하면서 대도시가 등장하게 된다. 특히 이탈리아를 중심으로 그러한 흐름이 포착되었는데, 이러한 상업적인 번영과 함께 14세기 이탈리아의 지식인들은 라틴어 및 그리스의 학문과 문학에 큰 관심을 갖게 되었다. 르네상스 이후 미술에서 그리스도교뿐 아니라 신화가 작품의 주제로 등장하고 '인간'의 지위 향상과 인간 존중이 부각된 것도 이러한 역사적인 변화와 인문학의 발달이 그 배경이 되었던 것이다.

르네상스 이후에 유럽의 대변혁을 가져온 사건은 바로 종교개혁이다. 비록 신교와 구교로 나뉘어 종교전쟁까지 발발하게 되었지만, 가톨릭 교회에서도 자성의 목소리가 나왔다. 이러한 분위기에서 과연 종교미술은 명맥을 유지할 수 있었을까? 신교가 장악한 곳에서는 '성상파괴운동'이 재현되면서 종교미술은 위축되기까지 하였다. 그렇다면 내부적인 개혁을 표방한 가톨릭에서는 종교미술은 어떻게 살아남을 수 있었을까? 1545년부터 1563년까지 이어진 '트리엔트 공의회'에서는 종교미술 자체가 숭배의 대상이 아니라는 결론을 내렸다. 더불어 미술 표현의 경우 누구나 바로 이해할 수 있는 쉬운 묘사와 고상함을 추구하는 방향으로 논의되었다. 이러한 결과로 종교미술은 과거 웅장하고 장엄한 분위기를 탈피하여 대중들이 쉽게 이해하고 공감할 수 있는 방향으로 그 명맥을 이어갈 수 있게 되었다. 즉, 종교미술에 엄격한 태도를 보이며 부정적이었던 프로테스탄트에 비하여 가톨릭은 오히려 미술의 힘에 더욱 기대려 했던 것이다. 이는 로마 제국과 프랑크 제국이 붕괴된 상황에서 미술로 종교심을 강화하려고 했던 움직임과 유사하지만, 과거에 비하여 시민 의식이 성장하며 그 반대급부인 신교가 등장하였다는 점에서는 종교미술에 변화가 수반되어야 했음을 알 수 있는 부분이다.

'바로크 미술'은 바로 이러한 분위기 속에서 종교미술의 맥락을 잇는 양식으로 등장하였다. 이전의 종교미술과 달리 사람의 감정과 감각에 호소하는 표현이 훨씬 도드라진 이 양식은 개인의 감정과 신앙심에 호소하는 특징을 지니고 있다. 흥미로운 점은 이러한 '바로크 미술'의 특징은 당시 유럽의 절대주의 왕정을 추구하던 분위기와 맞아떨어지면서 절대주의의 상징으로도 자리잡게 된다. 그 경외의 대상이 종교일 수도 있지만, 왕권으로도 활용할 여지가 많았기 때문이다. 여기에서 그동안 예술가와 그들의 작품에 집중한 나머지 거의 다뤄지지 않았던 1648년 프랑스 파리에 설립된 '왕립회화조각아카데미'는 이 시대의 예술적 흐름과 특징을 살펴볼 수 있게 해준다. 당시 프랑스는 오늘날의 이미지와는 달리 예술 후진국이었다. 르네상스의 발상지이자 예술의 대국이었던 이탈리아에 비하여 17세기 초에 파리는 예술의 규범은 전무했고, 루브르 박물관도 존재하지 않았다. 이러한 이유로 왕립아카데미가 설립됨에 따라 에술의 규범이 하나씩 자리잡게 되었으며 무엇보다 미술가의 지위 향상을 가져왔다는 점에 주목할 필요가 있다.

'앙시앵 래짐'이라 불리우는 프랑스의 구체제의 모순은 확고한 신분 차이를 여실히 보여준다. 이러한 신분제 사회에서 미술가는 당시 장인 계급에 속하여 육체노동자로 분류되었다. 육체노동자라는 사회적 인식이 지배적이었기 때문에 당시 프랑스에서 화가와 조각가는 사회 지도층과 동떨어진 존재였기 때문에 여기에 참여하려는 사람이 그리 많지 않았다. 하지만 왕립아카데미의 설립과 함께 예술가에 대한 대우가 바뀌면서 프랑스는 점점 예술의 중심지로 자리하게 되었다. 훗날 왕립아카데미의 전통이 프랑스 에술의 변화와 혁신을 억누르는 문제도 있었지만, 이 단체의 설립으로 예술가의 지위의 향상과 사회적 인식의 재고를 가져왔기 때문에 미술의 발전이 뛰어난 개인의 재능에 의한 걸작으로만 이루어지는 것이 아님을 확인할 수 있게 된다.

자크 루이 다비드의 [생베르나르 고개를 넘는 보나파르트]와 [나폴레옹 대관식]은 직접 그림을 보지 않더라도 많은 사람들이 머릿 속에서 생생하게 떠올릴 수 있는 그림 중 하나이다. 이탈리아 원정을 위하여 한니발 이후 그 누구도 시도하지 않았던 알프스를 넘는 과정에서 백마를 탄 나폴레옹의 역동적인 포즈와 로마 교황이 아닌 자신이 직접 황후 조제핀에게 왕관을 수여하는 모습은 나폴레옹을 영웅이자 황제로 너무나 잘 묘사하고 있기 때문이다. 자크 루이 다비드는 나폴레옹의 황제 즉위와 함께 황실의 수석 화가로 프랑스 미술을 좌우하였다. 다비드의 '신고전주의'는 마치 황제가 된 나폴레옹을 로마 공화정의 이성과 윤리관을 이상향으로 표현하기에 안성맞춤이었다. 나폴레옹 역시 미술품 자체보다 선전 미술의 파급력을 정확히 꿰뚫어본 권력자였기에 자크 루이 다비드와 죽이 잘 맞을 수밖에 없었다. [생베르나르 고개를 넘는 보나파르트]와는 달리 실제 알프스 산맥을 넘을 때 노새를 타고 추위에 부들부들 떨던 나폴레옹의 그림이 더 사실적이라는 평가가 있을 정도로 자크 루이 다비드의 신고전주의는 나폴레옹과 그의 제국의 선전 도구로 활용되었던 것이다. 자크 루이 다비드의 '신고전주의'는 정치가 미술을 어떻게 활용할 수 있으며 또 이 시기의 그림을 어떤 관점으로 읽어낼 수 있는지를 잘 보여주는 사례라 할 수 있다.

오늘날 미술에서 '인상파'는 널리 잘 알려져 있지만, 처음 등장했을 때에는 '반항아'의 이미지의 상징이었다. 인상파가 등장한 프랑스 파리에서는 미술 아카데미의 주도로 여전히 '귀족적' 색체가 강하였기 때문에 '부르주아적'인 것이 두드러진 특징이었던 인상파는 그다지 주목을 받지 못하였으며 심지어 배척을 당하기도 하였다. 여기에서 흥미로운 사실이 등장한다. 인상파의 본고장인 파리에서는 그다지 인정을 받지 못하였지만, 이들의 작품이 미국에서 엄청난 인기를 끌었다는 점이다. 심지어 미국에서의 인기를 바탕으로 유럽에서 인상파에 대한 재평가가 이루어지기도 하였다. 이는 고정적인 관념에 사로잡힌 유럽에 비하여 미국은 미술에 대한 뿌리가 깊이 내리지 못한 상황에서 문화적인 열등감을 인상파를 비롯한 유럽의 전위미술로 극복하려고 했기 때문에 이루어진 것이다. 심지어 미국의 경제적인 성공은 인상파의 작품의 가격을 천정부지로 올려 놓으면서 세간의 주목을 받게 된다. 모네가 막대한 부를 얻을 수 있었던 것도 미국에서의 수요가 엄청났기 때문이다. 애초 유럽에 대한 예술의 열등감을 경제적인 부로 따라잡은 이러한 흐름은 그 시기에만 한정되지 않는다. 오늘말 유명 미술관과 미술과 관련된 다양한 행사가 미국에서 이루어지고 있다는 점은 이러한 사실을 반증하는 것이다.

이처럼 [비즈니스 엘리트를 위한 서양 미술사]는 역사를 통하여 읽는 미술을 다루고 있다. 그동안 수많은 에술가와 그들의 작품을 통하여 미술을 느끼는 것이 어려웠다면 이 책을 먼저 읽어보기를 추천한다. 이 책을 통하여 미술에 대한 거시적인 흐름을 이해하게 된다면 왜 특정 시기에 특정 에술가가 등장하여 특정 작품을 만들어낼 수 있는지를 보다 쉽게 알 수 있기 때문이다. 그동안 미술을 '감성'으로 보고 느껴야 되는 것으로 알고 있었지만, 이 책은 '이성'으로 읽는 예술이 곧 미술이라는 사실을 우리에게 일깨워주고 있다. 미술의 감상에 대한 기존의 통념과는 다소 다른 것 같지만, 앞서 언급한 각 시대의 독특한 미술 양식의 탄생 과정을 살펴본다면 저자의 '읽는' 미술의 관점에 관심을 가져 볼 필요가 있을 것이다. 그래서, 수많은 예술가와 방대한 그들의 작품 속에서 허덕이고 있는 나를 비롯한 사람들에게는 더욱 추천하고 싶다.

YES24 리뷰어클럽 서평단 자격으로 작성한 리뷰입니다.