혁신의 아이콘

구스타프 클림트(Gustav Klimt, 1862~1918, 이하 ‘클림트’)의 창작 활동은 혁신의 반복이었다고 한다. 하지만, ‘혁신’이라는 것은 늘 성공과 타인의 칭송으로 직결되는 것은 아니다. 그것은 우리가 ‘혁신의 아이콘’이라고 했을 때 떠올리는 스티븐 잡스(Steve Jobs, 1955~2011)만 봐도 알 수 있다.

그러면, 클림트가 어떤 창작 활동을 했기에 혁신적이라는 평가를 받을 수 있었을까?

1879년 그는 두 살 아래 동생인 에른스트 클림트(Ernst Klimt, 1864~1892), 친구 프란츠 마치(Franz Martsch, 1861~1942)와 ‘예술가 컴퍼니(Kunstler-Companie)’를 결성했다.

부르크 극장 천장화의 일부 <로미오와 줄리엣>

출처: <클림트>(arte), pp. 54~55

이 무렵 ‘회화의 왕자’로 불리던 한스 마카르트(Hans Markart, 1840~1884)가 갑자기 사망했다. 이때 스승의 배려로 한스 마카트르가 그리던 엘리자베트 황후의 침실화를 마무리할 기회를 얻었다. 이 기회를 잘 살려 차츰 명성을 떨쳤고, ‘링슈트라세의 화가들’이라는 이명(異名)도 얻게 되었다. 여기에 부르크 극장 천장화를 그린 공로로 1893년 황제 메달을 수상하면서 성공은 삽시간에 다가왔다. 그가 꿈꿨던 한스 마카르트의 후계자 자리도 눈 앞에 있었다.

그러나 1892년 아버지가 뇌출혈로, 그리고 동생 에른스트 클림트가 심근경색으로 세상을 떠나면서 몇 년간의 공백기를 가진다.

다시 컴백하면서 클림트는 그에게 성공을 가져다 준, 19세기 후반의 전형적인 사실적인 화풍에서 벗어난, 새로운 시도를 하는 조직을 결성했다. 그러나 예상과 달리 그가 속해있던 오스트리아 예술가 조합은 이를 맹렬히 비난했다. 이에 클림트는 동료들과 함께 기존 조직에서 벗어나 ‘오스트리아 예술가 분리파 동맹’, 속칭 ‘(빈) 분리파’를 공식적으로 창설했다.

<피아노 앞에 앉은 슈베르트>

출처: <클림트>(arte), p. 89

빈 대학 본부 천장화의 일부 <철학>

출처: <클림트>(arte), p. 93

이런 분리파 조직이 빈에서만 존재했던 것은 아니다. 하지만 클림트는 ‘분리파’하면 모두 ‘빈 분리파’를 떠올릴 만큼 성공적으로 이끌어냈다.

1902년 제14회 빈 분리파 전시회에 그는 황금시대 개막을 알리는 <베토벤 프리즈>를 출품했다. 이듬해 이탈리아 라벤나를 방문한 그는 산비탈레 성당과 아플리네르 누우보 성당에서 마주한 6세기 비잔티움 모자이크의 경건한 단순함에 압도당한다. 그리고 1905년에 공식적으로 빈 분리파를 떠난다. 이 무렵 그의 작품세계는 <생명의 나무>나 <키스>처럼 클림트하면 떠오르는 풍부한 황금빛으로 관능과 극상의 아름다움을 추구하는 ‘황금시대’로 알려져 있다.

<키스>

출처: <클림트>(arte), p. 158

1912년에 접어들면 그도 ‘자포니즘’, 보다 정확하게는 일본 전통의상인 기모노의 복잡한 장식에 매료되었다. 그 결과 ‘황금시대’를 벗어나 동양풍의 장식과 화려한 색상이 가득한 작품세계를 시도했다.

<아델레 블로흐-바우어의 초상>

출처: <클림트>(arte), p. 180

이처럼 클림트의 예술 활동에서 놀라운 것은 그의 혁신이 안정기에 접어들고 좋은 평가를 받기 시작할 시기에 그 자리를 떠나 다시 한 번 새로운 예술의 돌파구를 모색했다는 점이다.

세기 말의 화가

저자는 클림트의 삶에서 가장 중요한 키워드로 클림트가 살았던 ‘세기말’이라는 시대적 배경과 ‘빈’이라는 공간적 배경을 꼽았다. 그래서일까? 클림트가 다시 빛을 보게 된 것도 1980년대 새로운 세기말을 앞둔 시점이었다.

어찌 보면 퇴폐적이고 지나친 탐미주의를 추구하는 듯한 그의 작품은 아마도 ‘세기말’이라는 키워드와 연결된 것이 아닐까? 아니 “19세기 말의 빈은 다가오는 다음 세기를 한사코 거부했다. 빈은 미래보다는 과거를 더욱 갈망한 도시였다.”[p. 14]라는 말처럼 ‘빈’이라는 공간 자체가 다른 유럽 국가들이 모두 미래를 향해 나아갈 때 홀로 제국의 영광에 사로잡혀 과거에 머물렀던 곳이어서 그런 것일지도 모른다.